人間関係の距離感に焦点を当てた木彫による人物像を発表しています。いずれの作品も、現代の風俗や活動をまとった表現が共通点となっています。

人間関係における表に見せている部分と、隠された内面を表すHalf and Halfシリーズを探求しています。作品に登場する人物は、日常的な装いや仕草をまとった普通の人々であるようにもみえます。その普通さが作品との距離を縮め、体裁的な表面と秘めた感情や思考が交錯する感情を鑑賞者にリアルに示します。

彼の作品において感情や思いとは、基本的には「顔」と「仕草」にあります。つまりリアルな作品を作りたいのでは無く、理想像であり心象像を目指している。そして、常に何がどうして美しく感じるのかと自問自答しています。

作品に宿る理想と自我の間で揺れる、人間のありかたを感じるきっかけを多くの方に感じ取っていただければ幸いです。

 

1980　 東京都生まれ
2007　 東京造形大学 大学院 彫刻専攻　修了
2007‐　彫刻家として国内外で活動

 

I present wooden sculptures that focus on the dynamics of interpersonal distance. All of my works share a common theme: expressions that reflect contemporary customs and activities.

In my Half and Half series, I explore the dichotomy between the outwardly visible aspects of human relationships and the hidden inner selves. The figures in my works often appear as ordinary people, dressed in everyday clothing or performing familiar gestures. This sense of ordinariness shortens the distance between the viewer and the artwork, bringing to life the tension between superficial appearances and the concealed emotions or thoughts they harbor.

In my work, emotions and thoughts are primarily expressed through the “face” and “gestures.” My goal is not to create lifelike realism but rather to portray an idealized or imagined version of humanity. I constantly question what makes something feel beautiful and why.

Through the interplay of ideals and self-reflection embodied in my sculptures, I hope to inspire viewers to contemplate the complexities of human existence and the beauty found within that struggle.

人体、主に「背中」をテーマに乾漆技法で制作しています。

人と人との関わりの中で生まれる変化や互いの相違など、私たちは様々な経験を重ねることで、多くのことを実らせ、蓄え、時には失います。そうした曖昧で捉えきれないことを、自身では見ることのできない背中を用いて可視化しようとしています。他者からは見える背中は、無意識のうちに自身では気づかない側面を映し出してしまう箇所ではないでしょうか。

1986　 大阪府生まれ
2009　 広島市立大学芸術学部美術学科彫刻専攻卒業
2011　 広島市立大学大学院芸術学研究科彫刻専攻修了
2017〜2023　 広島市立大学芸術学部デザイン工芸学科漆造形分野 非常勤助教

 

一木造りで掘りおこした飯沼の彫刻は木肌が見えるほどのラフな外形を持ちながらも、 現代の消費社会のただ中に身を置く女性たちのリアルな「今」が感じられます。

飯沼はパリ留学中に、ファッションに対する意識を深めるとともに、女性という存在を崇拝の対象として捉えるようになりました。これをきっかけに、現代を生きる女性たちからインスピレーションを受けた木彫作品の制作を始めました。
飯沼の作品は、ファッションの一時的な流行に左右されず、時代を超えた女性たちの美や生きざまが表現されています。木肌が見えるほどのラフな彫り跡が特徴で、この独特の手法によって、飯沼の彫りだされる女性たちは、時が経っても色あせることなく、常にエネルギッシュで美しいままであり続けます。そして、女性の美しさと力強さを永遠に刻み込むかのように、観る者に深い印象を与えます。

1975年 長野県生まれ。東京都在住。
2004年　ナント国立美術大学卒業(フランス)
2001年　愛知県立芸術大学大学院 美術研究科 彫刻専攻卒業

 

The sculptures carved by Iinuma in the single-wood method retain rough outlines that expose the wood grain, yet they vividly capture the real “now” of women living in the heart of modern consumer society.

During his studies in Paris, Iinuma deepened his awareness of fashion and began to see women as objects of reverence. This realization inspired him to create wooden sculptures influenced by women living in the present era.

Iinuma’s works transcend the fleeting trends of fashion, expressing the timeless beauty and way of life of women. His unique technique, characterized by rough carving marks that leave the wood grain visible, ensures that the women he sculpts remain eternally vibrant and beautiful, unaffected by the passage of time. His creations seem to permanently engrave the strength and beauty of women, leaving a profound impression on the viewer.

ネイティブアメリカンの地に行き、人・アート・文化にふれて、ターコイズやインディアンジュエリー、大地などをイメージして、器やオブジェ、茶道具などを制作しています。 

幼少時代からターコイズカラーが好きで、姉のお下がりの自転車もこの色に塗り直して乗っていました。 
独立の時に自分のイメージカラーとしてターコイズのような陶器を作ろうと思いました。
ターコイズ特有の「スパイダーウェブ」(ヒビのような模様)を陶器ならではの「貫入」(土と釉薬の収縮が異なるとおきるヒビ)で表現しています。
それらの色々な陶芸のきぼうを駆使して、宝石のターコイズ、インディアンジュエリーなど、ネイティブアメリカン文化に触れ、日本文化と融合出来ないかと日々作陶しています。 

buffaloはネイティブアメリカンの色々な部族によって祀る想いが異なります。
実際は本物の頭蓋骨を飾りますが、私のはポップで気軽なインテリアとして飾ってくださる方が、少しの想いや願いを込めていただけるように、親しみを込めて作ってます。 

kokenaは数年前ネイティブアメリカンのホピ族のに訪れて、ニーマンカチーナと言うダンスを見たとき、子供達にとうもろこしと一緒にカチナドールを渡していました。
カチナとは精霊で色々な物にやどっているそうです。
日本では八百万の神様みたいなものでしょうか…
そのカチナと日本のこけしは子供のおもちゃ的な所や木で出来ていることなど共通点が多いので、自分の好きなサブカルチャーなどを融合させてカチナとコケシでkokena(コケナ)として作品にしました。 

１つとして同じものがないので、楽しんでもらえたら幸いです。

1977　三重県四日市市に生まれる

1996　三重県四日市市工業高等学校
　　　 セラミック科卒業高等学校在学中

I create pottery, objects, and tea utensils inspired by turquoise, Native American jewelry, and the earth, drawing from my experiences visiting Native American lands and immersing myself in their people, art, and culture.

I’ve loved turquoise since I was a child—even repainting my sister’s hand-me-down bicycle in this beautiful color. When I began working independently, I decided to make turquoise-like pottery as a personal theme. Using pottery techniques, I recreate the unique “spiderweb” crackle patterns of turquoise through natural crazing (the cracks that form when clay and glaze shrink differently). Every day, I explore ways to merge the beauty of Native American culture, such as turquoise gemstones and Indian jewelry, with Japanese traditions.

Did you know that buffalo skulls hold different symbolic meanings for various Native American tribes? While actual skulls are often displayed, I create playful and approachable versions as interior pieces, hoping they’ll bring warmth and a bit of intention or prayer into your space.

The name kokena came from my visit to the Hopi tribe a few years ago, where I saw a dance called “Niman Kachina.” During the ceremony, children were given Kachina dolls alongside corn. Kachinas are considered spirits residing in all kinds of objects, which reminded me of Japan’s concept of Yaoyorozu no Kami (the myriad deities).
I noticed many similarities between Kachinas and Japanese Kokeshi dolls—they’re both wooden, child-friendly, and deeply tied to their cultures. So, I decided to combine the two into something unique, blending Kachinas, Kokeshi, and my favorite subcultures into what I call kokena.

Each piece is truly one of a kind. I hope you’ll enjoy exploring them as much as I’ve enjoyed creating them.

早野は東京藝術大学陶芸専攻を今年卒業した若手作家であり、陶芸を通じて若者の姿を表現し、既成概念にとらわれないユニークな陶像に挑戦してきました。しかし、次第に掌で「かたち」を探求するプロセスが見える抽象的な像へと変化し、土そのものと向き合う姿勢が強調されています。
抽象化された陶像には見る側に印象をゆだねる余白が生まれ、作品を取り巻く空間をも取り込んでいます。
また、感覚に直結した身体性が強調され、以前の作品が同時代性を表しているのに対し、新作シリーズは人間の原形を探求するプロセスのように感じられます。このような身体性を増した表現の変化は、物事を受動的に反応し続けがちな思考に、能動的に熟考し体感することを示唆しているかのようです。 

「憂鬱な表情が人としての概念を掴む。
土の性質である膨張と収縮は手と土の交わりを思わせ、曖昧だったイメージは空間を作りながらやがて自ら存在を語る。そして、私が与えた表情は土の性質によって生気を帯びる。掌と行為、軟化と硬化、焼いても尚変化しようとする土に、私は次第次第に近づいていくのだ。」
この数年で土の表現方法が多くの場で公開されたことで、土への関心が高まってきたように思う。そうして今まで以上に各分野同士が融合した様々なシーンが見受けられてきた。
隔てがなくなりつつある土に一つの概念と空間を提示する事が、「ヤキモノ」の新しい表現を追求する事に繋がるのではないかと私は考えている。本作品ではあわよくば、それらを体感していただければと思う。

能田健司　/ 早野樹

 

現在、「ヤキモノ」が工芸として評価されるだけでなく、日本の工芸技術を取り込んだ立体表現の可能性がアートシーンで注目されています。同時代性を内包しながら若々しい感性でストレートに「ヤキモノ」に向き合う早野樹の作品をご覧ください。

This exhibition introduces new works by ceramic artist Itsuki Hayano. In last year’s exhibition, Hayano explored the incorporation of modern, stylized figures and character-like idols into ceramic statues. However, this time, Hayano’s direct response to the clay is more straightforwardly expressed.

Hayano, a young artist who graduated this year from Tokyo University of the Arts with a major in ceramics, has been expressing youth through ceramics, challenging preconceived notions with unique ceramic statues. This exhibition marks a shift towards abstract forms, where the process of searching for “shape” with the hands is visible, emphasizing a direct confrontation with the clay itself.

The abstracted ceramics leave space for viewers to form their own impressions, incorporating the surrounding space into the work. As the title “A Stone’s Throw Away” suggests, the series emphasizes the immediacy of sensory perception. While Hayano’s earlier works reflected contemporaneity, this new series feels more like an exploration of the archetype of humanity. This shift in expression, focusing on physicality, suggests a move away from passive reactions towards more active contemplation and experience.

Today, “yakimono” (ceramics) is not only recognized as a craft but is also gaining attention in the art world for its potential as a medium for three-dimensional expression that incorporates Japanese craft techniques. Please take this opportunity to view the new works of Itsuki Hayano, who engages with ceramics with a youthful sensibility while embracing contemporaneity.

周囲と独立して感じる瞬間 少し違う時空にいる感覚を持つことがある

それは人の過ごす時間とは無関係に形を変えていく雲や煙のようでもあり

自分だけの空間のようにも感じる

自分が感じとった様々なシーンを作品として形に残す

今現在 記憶からは排除されそうな自由や時間 欲望を表現する

それは自分が自分であるため その人がその人であるために重要なことだと感じている

 

In moments when I feel like I’m in a place independent of my surroundings,
I sometimes feel like I’m in a different time and space.
The feeling is like clouds of smoke that change shape with no regard for time
that people have to live by, and it also feels like a space of my own.
To turn, various scenes that came up in my imagination from things I encountered.
To express freedom, time and desires that are on the verge of being discarded from memory.
That is what is important, in order for me to be me and for a person to be them self.

アウトローな気質をそなえ、彫刻だけでなく絵画領域にフィールドを広げ、幅広く活動しています。
2頭身の立体作品は、ニュートラルな立ち姿で観る者に様々な想像力を掻き立て、人気に火をつけました。
また、木彫作品からも伺える色彩感覚と空間構成のセンスが平面にも発揮されています。
シンプルに且つ大胆に構成され、隣り合った色と色の関係性が際立った背景の中に描かれたキャラクターは何とも不思議な表情や動きで描かれています。
2020年にはNYで個展が開催されるなど、日本に留まらず、海外でも人気も上昇。
2022年は、世の風潮に逆らうように制作し続けたロック魂がスパークし、自身の半生をコミカルに描いた初のリトグラフ作品「LIFE」シリーズを発表しました。
ペシミスティックな題材をアチャラカに表現する高度なセンスが高い評価を得ており、田島革命が実を結びつつあります。

 1973年   千葉県出身
2000年   愛知県立芸術大学美術学部彫刻科卒業　

 

With an outlaw spirit, they have expanded their field beyond sculpture to include painting, engaging in a wide range of creative activities.

Their two-head-tall three-dimensional works, with their neutral standing postures, ignite the viewer’s imagination and have gained immense popularity. The sense of color and spatial composition evident in their wooden sculptures also shines in their two-dimensional works.

The characters, depicted with peculiar expressions and movements, are set against boldly composed yet simple backgrounds that highlight the relationships between adjacent colors.

In 2020, they held a solo exhibition in New York, gaining increasing popularity not only in Japan but also overseas.

In 2022, their rock spirit, which defied societal trends, sparked a creative surge, leading to the release of the “LIFE” series, their first lithograph works that humorously depicted their life story.

Their sophisticated ability to express pessimistic themes with a playful touch has garnered high praise, and the Tajima Revolution is steadily bearing fruit.

” occhan( おっちゃん)” は「人」(ユニセックス）のアクティビティを表しているモチーフです。また、ボーダーやストライプの歴史的背景を鑑みつつ、それを作るのも変化させていくのも人であると感じて制作をしています。
作品の背景となるものは、社会問題に端を発したものや負の要素も含まれていますが、それらを昇華し、人が垣間見せる明るさ・楽しさをアートとして発信し続けています。
常に興味の湧くこと、私にとって損失しているものや内在している負の感情を好転させてくれる存在を具現化しています。

 

“occhan” * is a motif that represents the activity of “people”(unisex).

I feel that people live their lives while maintaining a delicate balance, and I create motifs such as clouds (images of wisdom and thoughts) as something that influences people.

In addition, while taking into account the historical background of borders and stripes, we work with the feeling that it is people who create and change them.

Borders and stripes were symbols of clowns and isolated prisoners, who were despised in the aristocratic society of the Middle Ages, but were essential as a bridge between people. Today, however, they exist in a different form. I feel meaning in something that has become greatly uncertain with the passage of time.

The backgrounds of my artworks are inspired by social problems and include negative elements, but I sublimate them and continue to transmit as art the brightness and joy that people can glimpse.

I’m always embodying what I’m interested in, what turns around my loss and inherent negative feelings.

* I affectionately call the characters in my artworks “occhan”. Because it is a Japanese dialect and is seen as a gentle word that makes even strangers feel like family.

彫刻家。1994年神奈川県小田原市生まれ。
私は「彫刻表現における自然科学との融合生」を テーマに、「テラコッタによる実物大の動物彫刻」 を作品にしています。自然科学を考察し、主に野生動物をモチーフとした彫刻作品を制作しています。
彫刻の素材であるテラコッタ(土器)は作家の触覚や軌跡がダイレクトに表面に現れ、躍動感のある作品となっている。
画廊での展示販売を中心に国内外へ幅広く作品を提供。

A sculptor. Born in Odawara, Kanagawa Prefecture, in 1994.Considering natural science, sculpture based mainly on wild animals is created.
Terra cotta, a sculpture material, directly shows the writer’s tactile sense and trajectory on the surface, creating a dynamic work.
We offer a wide range of works both in and outside Japan, mainly on exhibition and sales in art galleries.

私が最も大切にしているのは、現代社会に潜む矛盾をポップアートを通してユーモラスに描くことです。代表作「Cool it」シリーズではホッキョクグマを溶けかかったアイスキャンディーのキャラクターにし、市場に蔓延する可愛い商品デザインのイメージ=大量消費社会と、温暖化の影響で失われつつある動物の関係を社会風刺として表現しています。
また、パンチングメタルを駆使した最新作では、金属素材と色彩が織りなす新たな点描画技法で創作。機械的な大小の穴から覗くさまざまな色彩が色鮮やかな印象をもたらしますが、表面が明るければ明るいほど、その裏にあるものの暗さが際立つように意図しました。

What I value most is to humorously depict the contradictions that lurk in modern society through pop art. In the Cool it series, my representative work, I used a polar bear as a character for a melting popsicle, expressing as a social satire the relationship between the image of cute product design prevalent in the market = mass consumption society and animals that are being lost due to the effects of global warming. In my latest work, which makes full use of perforated metal, I have created a new pointillism technique in which metal materials and colors are interwoven.