子供の頃に好きだったものや場所には、誰しも思い出があるものだ。しかし残念なことに、こうした記憶は大人になるにつれて簡単に消えてしまうようだ。知らず知らずのうちに、その思い出を忘れて生きている人さえいるかもしれない。そんな失いたくない大切な思い出から来る思いが、アート作品の形に反映された。

私にとって、幼い頃に遊園地で買った銀色の風船は大好きなものであり、思い出だった。

しかし、時が経ち、風船がしぼみ、落下すると、あれほど気に入っていたのに……という悔しさ、悲しさ、辛さがこみ上げてきた。

しかし、その時の記憶や感情は、今では忘れ去られ、かすかな記憶として残っている。

このイメージは、時間の経過とともに消えてしまった昔の楽しい記憶や感情を可塑的に表現するために私の作品に描かれた。このように、彫刻という形で他のポピュラーなイメージも、人の記憶の可塑的表現に使うことができる。

Everyone has fond memories of his or her favorite things and places from childhood. Unfortunately, these memories seem to easily recede as people grow older. Some people even might be unaware that they live with these memories forgotten. Feelings coming from such precious memories, which people do not want to lose, were reflected in my art piece in the form of formative.

For me, the silver balloon I bought at the amusement park when I was young was my favorite thing and a memory.

However, as time passed, the balloon deflated and fell,

I felt regret, sorrow, and pain because I liked it so much.

However, the memories and emotions I felt at that time were now forgotten and remained as faint memories.

This imagery was portrayed in my work to plasticly represent old pleasant memories and emotions, which disappeared over time and needed to be captured before it is too late to recall. In this way, other popular images in the form of sculpture can also be used for the plastic representation of human memories.

「新しい方法で現実を見ることができる鏡を作ることを目指しています。」

偶然性と自発性に根ざした私の作品は、人間の欲望と恐怖を探究している。 文明の進歩は便利さをもたらすが、同時に監視と管理を強化する。

私たちは自由を追求するが、社会構造によってますます束縛されていることに気づく。見慣れたものを解体し、シュールな風景に再構築することで、私はこれらの緊張と矛盾を視覚化することを目指している。

直感的でプロセス主導のアプローチによって、私は現実に似ていながら別の次元に存在するイメージを構築する。

個人的な探求から始まった作品は、次第に現代文明が生み出す不安や危機への探究へと広がっていった。

私の作品は、私たちが生きている世界を再考し、私たちが向かっている方向をたどり、記録するための手段として役立っている。

“I aim to place a mirror that allows us to see reality in a new way.”

Rooted in chance and spontaneity, my work explores human desire and fear. The advancement of civilization brings convenience, yet at the same time, it reinforces surveillance and control. We seek freedom, but we find ourselves increasingly constrained by social structures. By deconstructing the familiar and reassembling it into surreal landscapes, I aim to visualize these tensions and contradictions. Through an intuitive and process-driven approach, I construct images that resemble reality yet exist in another dimension. What began as a personal exploration has gradually expanded into an inquiry into the anxieties and crises generated by modern civilization. My work serves to reconsider the world we live in and to trace and document the direction in which we are headed.

私たちは社会の一員になるために、心の中に不安や戸惑いを隠し、運命を頼りに生きようとする。

作者は、生まれた背景や環境の中で、一人ひとりが異なる信念や拠り所としたい運命を自由に表現できる社会を夢見る。困難な人生の中で、運命や信念は人それぞれであるという実感を共有するために、それぞれの解釈がユニークなイメージとして可視化され、眺めることができる。

作者は、運命に頼ることに安らぎを見出すために、創作され受け継がれてきた神話や想像上の天使をもとにしたファンタジーのシンボルを用いている。作者は作品の中で、こうした神話的要素やシュールなキャラクターを使い、社会の背後に潜む物語を明らかにしている。この作品は、観客に自分の見方に従って作品を解釈する余地を与え、自分の関心や信念を見直す機会を与えている。これを通して、運命論的な物語を新しい方法で再解釈し、社会に適応しようともがく個人の物語を象徴的かつ神話的な方法で表現している。

We live our lives hiding our anxiety and confusion in our hearts in order to become a member of society, and we try to rely on our fate.

The author dreams of a society where each person can freely express their different beliefs and the fate they want to rely on in their birth background and environment. In order to share the realization that each person’s fate and beliefs are their own in a difficult life, each person’s interpretation is visualized as a unique image that can be viewed.

The author uses fantasy symbols based on myths and imaginary angels that have been created and passed down to find comfort in relying on fate. The author uses these mythical elements and surreal characters in his work to reveal the narratives that lie behind society. The work provides the audience with room to interpret the work according to their own perspective, and gives them the opportunity to reexamine their own concerns and beliefs. Through this, he reinterprets fatalistic stories in a new way, and expresses the stories of individuals who have struggled to adapt to society in a symbolic and mythical way.

白いキャンバスに点が描かれ、次第に広がり、子供の顔になり、その上に魔法の帽子がかぶせられ、別の存在を招き入れるように、イマジネーションの世界が展開される。

世界は想像のキャンバスに過ぎないという言葉のように、無限の宇宙はまだマッチしていないパズルの宝島であり、私は世界の中心にある対象である自分自身を見つめる子供に目を向ける。

毎日想像力を持ち続け、絵の中の子どもたちに自分を投影し、過去の私と会話を交わせば、アーティストとしての今の自分が幸せであることに気づき、新しいことを探し続け、挑戦し続けることができる。

私が描く子どもたちは、バスや遊園地で出会う子どもたちではない。

湖と浜辺の間で揺れる金色の風であり、深山幽谷のどの道でも出迎えてくれる精霊であり、幼い頃に一緒にいた童話や漫画の登場人物であるから、実在しない不思議な人格であり、世の中の美しさを含んだ価値観なのである。

The world of imagination unfolds as dots are drawn on the white canvas and gradually spread, becoming the face of a child and a magic hat is put on top of it and inviting another being.

Like the saying that the world is nothing more than a canvas for imagination, the infinite universe is a treasure island of puzzles that are not yet matched, and I look at the child looking at the object at the center of the world, myself.

If you hold onto your imagination every day and project yourself to the children in the painting and have a conversation with me in the past, you will find that you are happy in your present as an artist and keep looking for new things and trying.

The children I draw are not the children we meet on the bus or at the amusement park.

They are a golden wind swaying between the lake and the beach, a spirit that greets every street in the deep mountains, and the characters in fairy tales and comic books that they were together when they were young, so they are a phenomenal persona that does not exist and a value that includes the beauty of the world.

木漏れ日が葉の間を優しく通り抜け、静かな静寂の中に留まる。光は姿を現すのではなく、葉の陰にそっと佇んでいる。この繊細な存在の中に、私は調和を見出す。調和は私の作品の中心にある。すべての生きとし生けるものは、それぞれの方法で人生を歩みながら、最終的には自然の中でバランスを見出す。色、パターン、動きを通して、彼らは周囲の環境と融合し、より大きな全体の一部となる。

私はこのような目に見えないリズムやつながり、木漏れ日が風に揺れるような、つまり生命の微妙な動きや、それぞれの存在が流れるような模様のように別のものに織り込まれていく様をとらえようとしている。

Sunlight filters gently through the leaves, lingering in quiet stillness—komorebi, a fleeting moment of light and shadow. Rather than revealing itself, the light rests softly behind the leaves. In this delicate presence, I find harmony.Harmony is at the heart of my work. Every living being moves through life in its own way, yet all ultimately find balance within nature. Through color, patterns, and movement, they merge with their surroundings, becoming part of a greater whole.I seek to capture these unseen rhythms and connections—the subtle movements of life, the way each existence weaves into another like a flowing pattern, much like how komorebi shifts with the passing breeze.

普段の生活の中で、旅の思い出の中で、思い出したい瞬間。

エピソードを描く。

四角い枠の中に詰まった季節感。

お気に入りの場所で感じた色。

会話のような雰囲気で、塗りつぶしていく。

旅先で懐かしさを感じることもある、

何気ない日常の大切さにも気づく。

The moment you want to remember in your normal daily life, in the memories of your trip.

Draw an episode.

The sense of season filled in the square frame.

The colors that I felt at my favorite place.

It’s like a conversational atmosphere, and it’s filled in.

Sometimes, I feel nostalgic when I travel,

They also realize the importance of ordinary daily life.

私たちは世界に散らばっている。散り散りになった個体は、世界に吸収されているように見えるかもしれないが、隠されていることもある。空、大地、山、海など、世界のさまざまな場所に、見えない物語が隠されている。私は、隠されたものを明らかにし、明らかにされたものを隠すという作業を続けている。

小さなものを写実的に描くよりも、偶然に生まれる物質的な力から生まれる表現の方が、リアルで具体的に感じられることがある。私は、自然を想起させるイメージを構成するために、ドリッピングという技法を用いている。絵具が乾く過程で、溜まっていた色が混ざり合い、動く。崩壊した幻想は、大胆なドリッピングによって再び具現化され、筆致や偶然性によって、再び色あせることもある。

キャンバスに絵の具を注ぎ、濡れたまま眺めていると、絵の具の中に落ちていきたくなることがある。この感覚が、ひとつひとつが異なる未知の湖のイメージを生み出す。キャンバスに描かれた絵の具の深さよりも、さらに深い場所に落ちていきたいという欲望に引き込まれるような風景を作りたい。

We are scattered across the world. The scattered individuals may appear absorbed into the world, but they can also be hidden. Concealed stories that cannot be seen are hidden in various places of the world, such as the sky, the land, the mountains, and the seas. I continue the work of revealing what is hidden and hiding what has been revealed.

Rather than depicting small things realistically, there are times when expressions resulting from the power of materiality, arising accidentally, feel more realistic and tangible. I use the dripping technique to compose images that evoke nature. During the drying process of the paint, the colors that had pooled mix and move. The collapsed illusion is once again materialized through bold dripping, and through brushstrokes and chance, it may fade again.

When I pour paint onto the canvas and look at it while it’s still wet, I sometimes feel like I want to fall into the paint. This sensation creates the image of an unknown lake, each one different from the other. I want to create a landscape that draws me deeper than the depth of the paint on the canvas, a desire to fall into a place even deeper.

まずは糸を主材料とする技法の魅力から語らずにはいられない。

縦の糸を固定し、目的の糸を横に2回織るために、形成される線はわずか1mmほど。

これほど時間をかけて面を埋める技法はなかなかない。それでもこの技法にこだわるのは、私が表現したいものと共鳴しているからだ。

変化の激しい世の中では、忘れ去られがちなほどゆっくりで繊細なものもある。

しかし、私はそのようなものも保存されるべきだと考えている。

愛する人と過ごす時間、日常から解き放たれた休息のひととき……私たちはその価値を数字で測ったりはしない。

そのままで十分なのだ。

私はこの瞬間を、ゆっくりと、絶え間なく紡いでいく。

I cannot help but begin by talking about the charm of a technique that uses thread as its primary material.

To fix the vertical threads and weave the intended threads twice across, only about 1mm of line is formed.

It is not easy to find a technique that takes such a long time to fill a surface. Nevertheless, I insist on using this technique because it resonates with what I wish to express.

In a rapidly changing world, some things are so slow and delicate that they are easily forgotten.

However, I believe that such things should also be preserved.

The time spent with loved ones, the moments of rest that break away from daily life— we do not measure their value in numbers.

They are enough as they are.

I weave these moments, slowly and continuously.

「制作という行為を通して、観察することで感じられる内なる静けさをとらえる。

私の作品は、内なる浄化のための営みです。甲状腺がんと診断された後、私は蓄積されたネガティブな感情を解放しようと努め、何が私に安らぎをもたらすのかを問いました。私は京都の枯山水庭園にその答えを見出した。そこでは、抑制された美学と反復する線が安定と強さを与えてくれた。そのプロセスそのものが瞑想的で、半紙を裂いたり重ねたりして感情を解放し、静寂に達する。観察することは、没頭し、感じることです。鑑賞者が瞑想のように私の作品に触れ、瞑想のひとときと静寂を味わってくれることを願っている。

“Through the act of creation as a practice, I capture the inner tranquility that can be felt through observation.”

My work is a practice of inner purification. After being diagnosed with thyroid cancer, I sought to release accumulated negative emotions and questioned what brings me peace. I found the answer in Kyoto’s Karesansui gardens, where restrained aesthetics and repetitive lines provided stability and strength. The process itself is meditative—tearing and layering Hanji paper to release emotions and reach tranquility. To observe is to immerse and feel. I hope viewers engage with my work as a form of meditation, allowing themselves a moment of contemplation and the serenity it offers.

どんなにしがみつこうとしても、大切なものが波打ち際の砂のように指の間からすり抜けていく感覚をよく経験する。それは機会であったり、人間関係であったり、瞬間であったり、財産であったりする。多くのものが、時間や他人、外部からの衝撃、あるいは自分の意志によってすり減ってきた。永遠なもの、絶対的なものは何もない。この真実が、過去の自分を無力感と虚無感に陥れた。

大切なものがすり減ったとき、私にできることは、思い出を通して、その存在を私のそばに引き延ばそうとすることだけだった。私は思い出を振り返り、その形を検討することに多くの時間を費やしてきた。

最近の神経科学の知見によると、「記憶」とは、以前考えられていたような受動的で絶対的な「記録」ではなく、むしろ能動的な電気火花のようなものだという。発生した電気信号は、入力された瞬間から既存の記憶、嗜好、感覚と絶えず相互作用し、「点火」を生み出す。この相互作用によって、新たな火花を発生させることができる。このプロセスは既存の記憶を歪ませ、新しい記憶はそれらの既存の記憶に影響された変容した状態でインプットされることがある。

このような記憶のあり方を観察することで、私たちは記憶を受け入れた瞬間から、あらゆる物事を解釈し進化させる「主観」を持った存在であることを認識した。さらに、記憶の断片を自分の意志で洗練し、再構築し、色付けすることで、最終的に自分という「自己」を形成することができるのだということに気づかされた。

私はこのプロセスと私たちの「主観性」を絵画制作に取り入れた。私は記憶から出来事を抽出し、純粋でシンプルな幾何学的な形に洗練させる。これらの形は、それぞれの位置で互いに重なり合い、新たな形を生み出す。再構築の過程で、私は新しく生まれた作品に多様で純粋な色を塗り、キャンバス上のそれぞれの場所に定着した色が他の色と相互作用し、新たな視覚的調和を提示する。本質的な色と形で満たされたキャンバスは、見る者に別の主観的な解釈と想像の機会を与えてくれる。

この世のすべてのものには二面性がある、という言葉がある。この考え方に「主観」が加わると、どんな出来事も肯定的に見れば良いこと、否定的に見れば悪いことのどちらにも解釈できるということになる。つまり、どんな経験をしても、最終的にはそれをどう消化し、どう解釈するかにかかっているということだ。

私は、たとえ失った瞬間であっても、さまざまな視点を通して状況を変えることができる主観的なエネルギーを伝えることを目指しています。私の絵画を通して、見る人が何事にも受動的に圧倒されるのではなく、破壊と再建のサイクルの中で相互作用しながら、能動的な主観性を持って関わってくれることを願っています。それぞれの人が、人生が提供するそれぞれの「経験の連続性」を完全に受け入れることを願っています。

No matter how much I try to hold on, I often experience the feeling that precious things slip through my fingers like a handful of sand on a wave-lashed beach. It could be opportunities, relationships, moments, or possessions. Many things have been worn away by time, others, external shocks, or my own will. Nothing is eternal, and nothing is absolute; this truth has plunged my past self into a sense of powerlessness and emptiness.

When precious things are worn away, all I could do is try to prolong their existence beside me through memories. I had spent more time reflecting on memories and examining their forms.

According to recent findings in the field of neuroscience, ‘memory’ is not a passive and absolute ‘record’ as previously thought, but rather resembles an active electric spark. The electrical signals that are generated interact continuously with existing memories, preferences, and sensations from the moment they are input, creating ‘ignition.’ Through this interaction, new sparks can be generated. This process can distort existing memories, and new memories may be input in a transformed state influenced by those existing memories.

The observation of this form of memory has made me aware that, from the moment we accept memories, we are beings with ‘subjectivity’ that interprets and evolves all things. Furthermore, I have come to realize that I can refine, reconstruct, and color the fragments of my memories through my own will, ultimately shaping the ‘self’ that is me.

I actively digest and refine the diverse fragments of my memories. By organizing the minor details and extracting only the essence I wish to preserve, I can turn this process into complete pieces of myself. Only the intact pieces of myself can serve as refined materials for reconstruction. At the end of complexity lies simplicity, and by gathering simplicity, I rebuild refined complexity. Within this cyclical process, there exists a cycle. Through this cycle, the fragments of memory collaborate to form the ‘self’ that is me.

I have infused this process and our ‘subjectivity’ into my painting practice. I extract events from memory and refine them into pure and simple geometric forms. These shapes overlap with one another in their respective positions, creating new shapes. In the process of reconstruction, I apply diverse and pure colors to the newly born pieces, and the colors established in their places on the canvas interact with other colors, presenting a new visual harmony. The canvas, filled with essential colors and shapes, offers the viewer an opportunity for another subjective interpretation and imagination.

There is a saying that everything in the world has duality. When you add ‘subjectivity’ to this notion, it implies that any event can be interpreted as either a good thing when viewed positively or a bad thing when viewed negatively. This means that no matter what experience I go through, it ultimately depends on how I digest and interpret it.

I aim to convey the subjective energy that can change a situation through various perspectives, even in moments of loss. Through my paintings, I hope that viewers do not passively become overwhelmed by anything, but instead engage with an active subjectivity as they interact within the cycles of breaking and rebuilding. I wish for each individual to fully embrace their own ‘continuum of experience’ that life offers them.

私は個人的な経験、感情、思考、あるいは直感的な想像を、圧縮された塊として表現する。これらの塊は、目に見える素材や形を超え、心理的、感情的な意味を内包している。

私の作品は、自分自身と社会、そして自分が属する集団との間に感じる距離感や疎外感から生まれています。それは、ネガティブな感情を脱ぎ捨て、そのギャップを埋めるプロセスでもある。自然から得たイメージを単純化し、その形にパターンを施した銅板を貼り付け、腐食や研磨などの技法を施して作品を完成させる。遠くから見ると、さまざまな形や遊び心のあるフォルムは、銅に包まれているようにも、覆われているようにも見える。この視覚的なコントラストは、真の自己の内面と、外部に提示された包装された外観を同時に表現することを目的としている。

彫刻的な表現を通して、私は内なる感情と外界との関係から生じる距離感を明確に表現しようとしている。自然のイメージを単純化し、銅板を貼り付け、腐食や研磨の効果を利用することで、私は自己の内面と外面のコントラストを視覚的に具現化している。否定的な感情を解消し、認識される距離を縮めようとするこの試みは、私の生き方の重要な部分である。

I express personal experiences, emotions, thoughts, or intuitive imaginings as compressed masses. These masses go beyond tangible materials or forms, encompassing psychological and emotional meanings. 

My work originates from the sense of distance and alienation I feel between myself, society, and the groups I belong to. It is a process of shedding negative emotions and bridging those gaps. I simplify images derived from nature, attach patterned copper plates to these forms, and apply techniques such as corrosion and polishing to complete the work. From a distance, the various shapes and playful forms appear as if they are wrapped or covered in copper. This visual contrast aims to simultaneously express the true inner self and the externally presented, packaged appearance.

 Through sculptural language, I seek to articulate the sense of distance that arises from the relationship between inner emotions and the external world. By simplifying natural imagery, attaching copper plates, and utilizing corrosion and polishing effects, I visually materialize the contrast between the inner and outer self. This attempt to resolve negative emotions and close the perceived distance is a crucial part of my way of life.

私の作品は、人生と存在の虚しさを描いている。

 人生についてだ。自分の存在と人生の意味について苦悩する人間について。それは、私たちが必然的に直面する無益の両面についてです。

 無益は人間の人生に最も溶け込んだ意識である。人間は常に「本当の自分」を見つけるために、自分の存在の意味と理由を求めている。「自分は何者なのか、自分はどんな人間なのか、人生とは何なのか。また、不安を克服し、人生や自分の本質に近づくことは、多くの人のテーマでもある。ある目的や理由を持って生まれてくるモノと違い、人間は根本的な存在理由を持って生まれてくるわけではない。生きる意味を求めても、その答えは得られない。人生と自分自身を理解するために意味や理由、価値を見出そうとする欲求の割に、世界はそのような人間の努力に何の答えも与えない。人間の意味への要求と世界の沈黙との間のこのギャップが、人間を常に奈落の底に落とす。そして、その未知の深淵の果てには、常に無益が待ち受けている。

 しかし、私にとっては無駄こそが自由なのだ。無価値でもなく、むなしくもない。解放としての無益さだ。満ちているなら、去らせればいい。来れば去らせ、始まれば終わらせればいい。空なら、また満たせばいい。このように、無駄は必ずしも否定的なものではなく、克服できるものであり、克服された無益は、生きることの無意味さではなく、生きることへの意志となり、存在感の基礎となる。無ではなく有の基礎となる。

 人間や人生の本質は、見ることも聞くこともできないから無価値で無意味なのではない。何もないから自由なのだ。何もない」からこそ自由なのだ。そして、これこそが「私の虚無のペルソナ」なのだ。空であることによって本質を明らかにする、無条件の欠如の従順さのことではない。自分が考える人生の価値や意味が、その価値や意味を失う時、あるいは維持できなくなる時について、「なぜか」と問わない多様性と自由としての無益の状態である。

 死すべき存在であれば、死すべき存在として生きられる。存在理由がなかったら、生きることで作る。一生は儚い時間だと結論づけるわけではないが、ただ生と死と呼吸の確かさを感じる。

 その結果、私の仕事は無駄という結論に向かうのではなく、生と存在という一つの価値観だけに埋没して、生も無益も正しく知らない結論に向かわないようにすることである。

Persona of ‘Nothing’

  My work is a portrait of futility of life and existence.

 It’s about life. It’s about human beings who anguish about their existence and the meaning of life. It’s about both sides of futility that inevitably we face.

 Futility is the most melted consciousness into human life. Human constantly ask for the meaning and reason of their existence to find out their ‘real-me’. “Who am I, What kind of person am I, What is life?” As well, overcoming anxiety and approaching life and one’s essence is the theme of many people. Unlike things that born with a certain purpose or reason, human beings are not born with a fundamental reason to exist. They ask for the meaning of their lives, but they cannot get any answer to the question. In spire of desire to find meaning, reason, and value to understand life and oneself, the world gives no answer to such human efforts. This gap between human demand for meaning and the silence of the world makes human constantly fall into the abyss. And at the end of that unknown abyss, futility always stay there waiting us.

 However, for me, futility is freedom. Not worthless, not vain. It’s a futility as a release. If its full, let it leave. If it comes, let it go, If it starts, let it finished. If its empty, fill it again. Like this, futility is not necessarily negative, but something that can be overcome, and the overcoming futility becomes a will to life, not a meaninglessness of life, and becomes a basis for a presence. A basis for a something not a nothing.

 The essence of human being and life is not worthless or meaningless because it cannot be seen or heard. But is free because it’s empty without anything. It is free because there is ‘nothing’. And this is the ‘Persona of my Futility’. It is not about an obedience of unconditional lack that reveals the essence by being empty. It is a state of futility as a diversity and freedom that does not ask “Why?” about when the values and meanings I think of life lose their values and meanings or no longer maintain them.

 If we are a mortal, we can live as a mortal. If I had no reason to exist, I’ll make them by living. I don’t conclude that a lifetime is an ephemeral time, but I just feel the assurance of life, death, and breath.

 As a result, my work is not heading for the conclusion of futility but rather to avoid heading toward a conclusion that does not know life or futility properly being buried in only one value of life and existence.

私は女性に生まれ、美を追い求めてきた。そして、その美を末永く残すために、ある対象が必要だった。 煌びやかな美しさを最もよく映し出せる対象は、偶然出会った『アイリス』だ。 モネが好んで、ゴッホがよく描いたアイリス。 私たちが日常でよく使う「人生」を「花が咲く」や「花が散る」と例えるように、アイリスの花が咲く形から私たちの人生を振り返ることになる。私は、様々な変化を含んだアイリスの形と色彩を通して、それを表現しようとした。私の作業は大きく分けて二つの形に分類される。暗闇の中で厳かに咲いたアイリス。自然の中で軽やかに舞うアイリス。この二つの形態に共通するテーマは「光」だ。 暗闇の中でも、華やかな背景の中でも その独自のアイデンティティを輝かせ、存在感を放つ。 アイリスの形と色彩は、私の心のままに、その時々で光を放ち、流動的に変化する。 新プラトン主義者であるプロティノスは「光は一者の象徴であり、最高の美であり、また美自 _体である」と述べた。 このように、中世時代において光は最高の美と見做されていた。 美術は光を研究する視覚に関する学問だ。絵画では光の表現が重要視されていた。 私が追い求める美しさと輝きを表現するため、私自身もまた光を最も大切にしている。 そのような意味で、私の連作のタイトルである「光輝」と「光華」は、明るく美しい輝き、あるいはその光を意味する。「こうか」は、先に述べた「光華」とともに、輝く花を意味する「光花」も含んでいる。 アイリスが咲く姿は、自然の美しさを最もよく表している。これは女性に限らず、一人の人間が華やかに花を咲かせる人生を意味している。

As a woman, I have pursued beauty throughout my life. To preserve this beauty, I needed a subject that embodied it—an iris. Admired by Monet and often painted by Van Gogh, its radiant elegance captivated me.

Just as we use metaphors like “a flower in bloom” and “a flower fading” to describe life, the iris reflects our own existence. Through its ever-changing shapes and colors, I seek to express transformation.

My work takes two forms:

The iris solemnly blooming in darkness

The iris gracefully dancing in nature

Despite their contrasts, both revolve around light—a force that gives identity and presence, whether in shadow or brilliance. The iris’s shifting forms and colors illuminate the emotions and moments I capture.

Neoplatonist philosopher Plotinus said, “Light is the ultimate beauty and beauty itself.” In medieval thought, light was the highest form of beauty. Art, fundamentally, is a study of light, and I consider it essential to my pursuit of radiance.

Thus, my series “Radiance” (光輝) and “Luminous Bloom” (光華) symbolize the dazzling beauty of light. The pronunciation “kōka” (こうか) also includes “光花” (flower of light), signifying a luminous bloom.

The iris embodies nature’s purest beauty and, beyond that, the flourishing of human existence—an expression of life in full bloom.

私の作品は、7歳の時に始まった乱視にインスパイアされたものである。

乱視とは、視野がぼやけたり歪んだりする現象で、現実と想像の境界が曖昧になり、独特の視点が生まれる。

都会ではとても不便だったが、田舎に移り住んだ自然の中では、そのぼやけさえも美しく感じられた。だから作品は光と自然の調和を表現し、非点収差が独特の感覚を生み出すことで、見る人が新しい視点を体験できるようにしている。

My work was inspired by astigmatism, which began when I was seven years old. astigmatism is a phenomenon in which visual field is blurred and distorted, which blurs the boundary between reality and imagination, giving a unique perspective. In the city, this was very inconvenient, but in nature, even the blurring felt beautiful after moving to the countryside. So the artwork expresses the harmony of light and nature, and the astigmatism creates a unique feeling so that viewers can experience new perspectives.

私はカメラのレンズを通して世界と関わり、知覚に挑戦する方法で形と意味を再構築する。ニューヨーク大学（2019年）で映画・テレビ制作の学問的基礎を学んだことで、映像によるストーリーテリングについて深く理解することができましたが、2020年に韓国に帰国した際、世界的なパンデミックの不安の中で、商業的な仕事と芸術的な探求の交差点を探求するプラットフォームとして、PEAKER STUDIOとDK Productionを設立しました。

私はソウルの商業プロジェクトに深く関わる一方で

ソウルの商業プロジェクトに深く関わる一方で、私は絶えずその制約をくつがえそうと努め、芸術的な実験や展覧会の仕事を通して、創造的な自律性を取り戻すことを可能にしている。

商業的な仕事と芸術的な仕事の間には独特の緊張関係があり、それは美的な正確さと創造的な自由との間で進行中の交渉でもある。

商業的な仕事の構造化された要求に芸術的な感性が息苦しく感じる瞬間、私は制作の道具としてではなく、探求の道具としてカメラに戻る。

都市の風景をさまよいながら、私は興味をそそる断片を探し求める。従来の解釈を回避するような形、質感、相互作用。これらの瞬間は、イメージを再構築し、重ね合わせ、抽象化することで、元の参照元を越えて存在する構図へと変化させる、脱構築と再構築のプロセスの素材となる。

私は物語を指示するのではなく、質問を投げかける。

「何が見える？」

「どう感じる？」

「これは何だと思う？」

それぞれの反応はユニークで、見る人自身の経験や潜在意識の投影によって形作られる。解釈する行為自体が作品の一部となり、意味を固定的な構成から流動的で参加型の体験へとシフトさせる。

私の実践は、明確な答えではなく、不確実性の挑発に関わるものであり、私たちが現実であると思い込んでいるもの、本物であると思い込んでいるもの、認識可能であるとさえ思い込んでいるものを再考するよう誘うものである。

私にとって写真とは、単なる記録行為ではなく、知覚への問いかけである。

それは、見慣れたものを歪め、新たな見方を明らかにする手段であり、観察されるものと構築されるものとの境界線に挑戦するものである。

I engage with the world through the lens of my camera, reconstructing form and meaning

in ways that challenge perception. My academic foundation in Film & TV Production at New

York University (2019) provided me with a deep understanding of visual storytelling, but it

was upon my return to Korea in 2020—amidst the uncertainty of a global pandemic—that I

founded PEAKER STUDIO and DK Production as platforms to explore the intersection of

commercial work and artistic inquiry. While I am deeply embedded in commercial projects

in Seoul, I continually seek to subvert their constraints, allowing myself to reclaim creative

autonomy through artistic experimentation and exhibition work.

There is a peculiar tension between commercial and artistic practice—an ongoing

negotiation between aesthetic precision and creative freedom. In moments when my

artistic sensibilities feel suffocated by the structured demands of commercial work, I

return to my camera not as a tool for production, but as an instrument of exploration.

Wandering through urban landscapes, I seek out fragments of intrigue—forms, textures,

and interactions that evade conventional interpretation. These moments become raw

material for a process of deconstruction and reconstruction, where images are reimagined,

layered, and abstracted into compositions that exist beyond their original referents.

I pose questions rather than dictate narratives.

“What do you see?”

“How does this make you feel?”

“What do you think this is?”

Each response is unique, shaped by the viewer’s own experiences and subconscious

projections. The act of interpretation itself becomes part of the work, shifting meaning

from a fixed construct to a fluid, participatory experience. My practice is not concerned

with definitive answers but with the provocation of uncertainty—an invitation to reconsider

what we assume to be real, authentic, or even recognizable.

Photography, to me, is not merely an act of documentation but an interrogation of

perception. It is a means of distorting the familiar to expose new ways of seeing,

challenging the boundaries between what is observed and what is constructed.

私は、構造主義的な観点から画材にアプローチする方法を模索しており、画材の中にある文化的、政治的、社会的な内容を調査し、それらを組み合わせて型にはまらない文脈を作り出し、文化的なヒエラルキーを崩している。

私の作品はマニフェストのようなもので、美術史における家父長制的な文化的文脈に挑戦するような、女性の好みや嗜好を再構築する方法を探求するチャンスを与えてくれる。特に、キャンバスの枠のレクタングルな形、つまりその垂直性と柔軟性のなさは、美術史における男性性を象徴している。

家庭用品や装飾材料は、日常のありふれた生活の中で単なる原材料とみなされるため、女性性や劣等性の問題概念を意味する。私は、伝統的な構造を覆すために、キャンバスの枠をこれらの素材で圧倒しようと試みている。

また、物体の裏側は、女性らしさに対する社会的ステレオタイプの文脈の中で、私的で隠された場所を意味する。

そのため、私はキャンバスの裏側に家庭用品を組み合わせて構成することで、キャンバス上での女性的な言語の創造を強化しようと試みている。

美醜や優劣の明確な区別は、支配的な文化的言説によって形成される。

言説によって形成される。反省を通して、思いがけない素材が、主流文化の傾向から排除されてきた女性的な美への回答として機能する。

I examine a way to approach art materials in terms of structuralist perspectives, so I am starting to investigate

cultural, political and social content within each of my art materials, combining them to create unconventional contexts, breaking down cultural hierarchies.

My work is like a manifesto, offering me opportunities to

explore the way I would like reimagine female preference and taste which challenges patriarchal cultural contexts in art history. In particular, The lectangle shape of canvas frames—their verticality and inflexibility—symbolize masculinity in art history.

Domestic supplies and ornamental materials signify problematic conceptualizations of femininity and inferiority, as they are regarded as mere raw materials in everyday, mundane life. I attempt to overwhelm the canvas frame with these materials in order to subvert traditional structures.

In addition, the backside of objects signifies private and hidden places in the context of social stereotypes of femininity.

Therefore, I attempt to construct combination of domestic supplies on the backside of canvas, in order to reinforce the creation of feminine languages on the canvas.

Clear distinctions between beauty and ugliness as well as superiority and inferiority are formed with dominant cultural

discourse. Through reflection, unexpected materials function as a rejoinder, a feminine beauty which has been excluded from taste in mainstream culture.

私は犬を育てたいと思い、犬を描き始めた。そして人間のことを考え、自分を見つめ直した。犬は人間に育てられる。命を尊ぶ人は、人間を尊ぶのかもしれない。コンパニオンアニマル（ペット）だけが人間と共に生き、感情を共有し、コミュニケーションをとることができる。犬は私の人生と写真に深く関わっている。私の写真に登場する犬たちは、人間らしさを追求するために人間化されている！ 

Kwak Su Yeonは主に伝統的な彩色、アクリル画、デジタルの技法を使い、民俗画のイメージや願望を借りながら、身近な動物を通して人間を語ることに取り組んできた。

人間に対する好奇心や興味は犬から始まり、人間が守るべき希少動物や、人間の精神的な守護神となる12の神々や神話上の動物たちの作品へとつながっていった（1999年～2024年） 

なかでも2015年から始まった神話動物の研究は、古代中国の書物『山海経』に登場する動物から始まった。シャーマニズムが色濃く残る韓国済州島の舒川（ソチョン）花畑を背景に、最近までペットのモンスターを制作してきた。韓国の古い絵画では、祝福や願望の図像が人間の生活に希望や勇気を与える役割を果たしている。人間を守る想像上の動物は、現代では否定された新しいイメージを創造する作業であり、古い絵画を現代化する作業のひとつでもある。架空の想像かもしれないが、人間と自然界の動物が調和する東洋の循環を語りたいKwak Su Yeonのペットシリーズである。

I wanted to breed up dogs and started to draw dogs. And I thought about human beings and then I reflected myself. Dogs are bred up by human beings. Those who respect lives may respect human beings. Only companion animal(pets) can live with, can share emotions and can communicate with human beings. Dogs are very deeply situated in my life and my pictures. These dogs in my pictures are humanized to look into what would human-like to be!

 Kwak Soo-yeon mainly uses traditional coloring, acrylic painting, and digital techniques, and has been working on talking about people through close animals, borrowing images of folk paintings and aspirations.

Curiosities and interests in humans began with dogs and led to the work of rare animals that humans need to protect and the 12 gods and mythical animals that serve as the spiritual guardian of humans (1999-2024)

Among them, the study of mythical animals, which began in 2015, began with the animals from the ancient Chinese book, The Mountain Sea Sutra. We have been working on pet monsters until recently against the backdrop of Seocheon flower fields in Jeju, Korea, where shamanism is strong.In old Korean paintings, the iconography of blessings and aspirations serves to give hope and courage to human life.An imaginary animal that protects humans is the work of creating new images that were denied in the present era, and it is one of the work of modernizing old paintings. It may be a fictitious imagination, but it is Kwak Soo-yeon’s pet series that wants to talk about the cycle of the Orient in which humans and animals in nature harmonize.

規則を破り、規則的な形を形成するものの間に調和を見出すものすべてが好きだ。歩道のブロックの間にタンポポが咲いているのを見ると、共生についてよく考える。過密な都市に生まれ、最初はぎこちなく馴染めなかったが、よく見ると、それは馴染むための葛藤のようであり、歩道のブロックはタンポポに進んでその隙間を与えてくれる配慮のように思える。人と人は、違いを拒絶するのではなく、馴染むためにぶつかり合い、やがて調和するように、同じ関係にある。

I like everything that breaks rules and finds harmony between things that form a regular shape. When I see dandelions blooming between the sidewalk blocks, I often think about symbiosis. Born in a dense city, it was awkward and unfamiliar at first, but when I look closely, it seems like a struggle to fit in, and the sidewalk blocks seem to be a consideration that willingly gives the dandelion its gap. People and people are in the same relationship, just as they collide to fit in, rather than rejecting differences, and eventually harmonize.

ここには光が残っている。これらの光は同じ空間に残っているが、異なる形で存在している。光ははっきりと存在しているが、物体は見えない。

光はガラスに反射している。ガラスはさまざまな形をしているが、透明なので光が透けて見える。

ガラスは透明なので視覚的にはわからないが、空間の中に光を残している。

きれいなガラスは一見すると見えにくい。しかし、光に触れると、その存在が明らかになる。そしてその存在が空間を変える。

透明なガラスを通して光が残る。その光から私たちを取り巻く環境について考えてほしい。

There is light left here. These lights remain in the same space, but are present in different forms. The light clearly exists, but the object is not visible.

The light is reflected off the glass. Glass has different shapes, but its transparency allows light to shine through.

The glass is transparent that it is not visually sensible, but leaves light within the space.

Clean glass is hard to see at first glance. But when light is touched, it reveals its presence. And that presence changes the space.

Light is left through transparent glass. I hope we can think about the environment that surrounds us from this light.

私の作品は、人生に迷ったときに気づかなかった自分の新たな一面に出会ったことから始まった。

そして、私のすべての作品に、裸の人の姿や、道を見つけようともがく人の必死の表情やしぐさが繰り返し表現されているのはそのためです。

COVID19をきっかけに、世界中であらゆる集まりが制限され、社会的な距離を置くようになったため、個人的な時間が増え、元気のない日々が続くようになった。

この間、私は自分自身を振り返ることに多くの時間を費やした。

特に、自分の人生で追い求めてきた「美しさ」とは何だったのかを考えるようになった。

誰にでも人生を美しいと感じる瞬間があるだろうし、人生を美しいと思う理由は人それぞれかもしれない。

そして私は、その人生の美しさを自分の奥底に発見した。

まず、私が美を追求するようになったきっかけは、20年間築き上げてきた愛の理想に疑問を感じたからである。

犠牲と尊敬の上に築き上げた愛の理想が、他人の苦しみに同情し憐れむ心しか持ち合わせていないことを知った私は、それを破壊した。

追い求めていた理想の塊が消えたとき、私は大きな挫折感を味わった。

そして、当初はその挫折による鬱屈した感情を平面的な映像作品で表現し、その後の作品では「愛の理想郷が消滅した悲しみ」と「新たな理想郷を作りたくないという自分の意志」のギャップを表現した。

私の人生の美しさは、完璧には成立し得ない「隙間」に存在する。

私は今もなお、美を表現する方法を模索し、包装されていないありのままの美を追求している。

今後は、私なりの表現で、塊や生命の美をテーマにした作品も楽しみにしていてください。

My work began when I encountered a new side of myself that I had not realized when I was lost a way in my life.

And this is why in all my works the form of the naked person and the desperate expression and gesture of a person struggling to find the way are expressed repeatedly.

As a COVID19 has led to restrictions on all gatherings and social distancing around the world, personal time has increased, and days have become listless.

During this time I spent a lot of the time looking back on my self.

In particular, I began to think about what ‘beauty’ was that I had been chasing in my life.

Everyone has moments when they feel life is beautiful, or maybe everyone has their own reasons why they think life is beautiful.

And I discovered the beauty of that life deep within me.

First of all, the reason I started to pursue beauty was because I was doubting the ideal of love that I had established for myself for 20years.

The ideal of love that I had established for myself based on sacrifice and respect was discovered to have only a heart of sympathy and pity for suffering of others, and I destroyed it after discoverting it.

When the ideal lobe I had been pursuing disappeared, I felt a great sense of frustration.

And in the beginning, I expressed the depressed feelings cause by such frustration through flat visual works and in my later works I expressed the gap between ‘the sadness of the disappearance of the utopia of the love’ and ‘my own will not to build a new utopia’

The beauty of my life exists in the ‘gap’ that cannot be perfectly established.

I am still searching for ways to express beauty and pursuing beauty as it is, unpackaged.

In the future, you can also look forward to works about lobe and the beauty of life that are expended in my own way.